Filmkritiken: November 2026 

Filmkritk: „Glaube“

Geht es nach ihrer Tante Maite, soll die 17-jährige Ainara an die Uni gehen und so viele neue Erfahrungen wie möglich sammeln. Das Leben liegt schließlich noch vor ihr. In der Teenagerin, die eine katholische Schule besucht, reift allerdings ein völlig anderer Plan heran: Da sie eine besondere Verbindung zu Gott verspürt, möchte sie als Nonne in ein Kloster eintreten. Während ihr alleinerziehender Vater Iñaki zunächst ausweichend reagiert, sieht Maite die Zukunft ihrer Nichte in Gefahr: Was, wenn sie schon seit Jahren indoktriniert und auf diesen Weg gelenkt wurde? In ihrem zweiten abendfüllendem Spielfilm gelingt der baskischen Regisseurin und Drehbuchautorin Alauda Ruiz de Azúa ein kleines Kunststück. Obwohl Ainaras Überlegungen ihre Familie massiv aufwühlen, schildert „Glaube“ die Selbstfindung der jungen Frau in konzentrierten, bedächtigen, oft statischen Bildern; Bildern, denen man dennoch eine innere Spannung anmerkt. Erfreulicherweise verzichtet die elliptisch erzählte Geschichte auf billige Schwarz-Weiß-Zeichnungen, sondern lässt immer wieder Ambivalenzen zu. Ainara zum Beispiel ist keine frömmelnde Außenseiterin: Sie hat Freundinnen, hängt mit ihrer Clique ab, findet einen Jungen aus dem Chor interessant und hat durchaus Zweifel. Allzu explizit blickt das in Spanien vielfach prämierte Drama seiner Protagonistin nicht in die Seele. Gleichwohl verleiht ihr Hauptdarstellerin Blanca Soroa eine unglaubliche Tiefe, lässt das Gewirr an Gefühlen in ihrer Mimik des Öfteren aufscheinen. Reizvoll auch, wie durch Ainaras Wunsch unter der Oberfläche brodelnde Konflikte innerhalb ihrer Familie langsam hervorbrechen. Die atheistische Maite etwa ist in ihrer Ehe unglücklich und projiziert eigene Erwartungen auf die Jugendliche, ohne auf deren Wünsche Rücksicht zu nehmen. Vor allem gegen Ende entfaltet die allein mit Choralgesängen unterlegte Coming-of-Age-Story eine Kraft, die man angesichts des dröge anmutenden Glaubensthemas nicht kommen sieht. / Christopher Diekhaus 

„Glaube“: ESP/FRA Regie: Alauda Ruiz de Azúa. Mit: Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés. 117 Min. Ab 29.10. Sterne: 5 

Filmkritik: „Die Blutgräfin“

Isabelle Huppert spielt mit kühler Souveränität und nicht ohne Selbstironie die legendäre Blutgräfin Erzsébet Báthory aus dem 16. Jahrhundert. Deren letzter Besuch im Diesseits (oder genauer: in Wien) liegt 25 Jahre zurück. Die Zeit drängt – nicht nur wegen der unstillbaren Lust auf frisches Blut junger schöner Mädchen. Ein mysteriöses Buch soll aufgetaucht sein, das die Macht besitzt, alles Böse zu vernichten (einschließlich Vampiren), wenn aufrichtige Tränen auf seine Seiten fallen. Zusammen mit ihrer treuen Zofe Hermine (herrlich skurril: Birgit Minichmayr) begibt  sich die Blutgräfin auf eine abenteuerliche Spurensuche nach dem geheimnisvollen Werk. Regisseurin Ulrike Ottinger präsentiert ihr elegant-barockes Vampir-Epos als schrullig morbide Horror-Persiflage. Wir spüren, wie sehr sie diese überbordende Schnitzeljagd im Dreivierteltakt zwischen Gegenwart und Vergangenheit, trotteligen Polizisten und grotesken Wissenschaftlern genießt. Kunstvoller Klamauk statt Grauen, Kulisse zählt hier mehr als Handlung oder schräge Referenzen. Co-Autorin ist übrigens Nobelpreisträgerin Elfriede Jelinek. Für die Vampire kreiert sie je nach Bedarf aberwitzige oder lakonische Dialoge: „Wir müssen kühles Blut bewahren – wo immer wir einen Kühlschrank finden.“ Der Blutsauger-Trip zwischen Seegrotte Hinterbrühl und Nationalbibliothek gibt sich vordergründig dreist als Wiener Schmäh und ist doch gelungen als intellektuelle Spielerei mit Genre, Kultur, Illusionen und Idolen. Um Selbstverwirklichung muss sich unsere Heldin schon seit Jahrhunderten nicht mehr bemühen, nur ihr Neffe, Baron Rudi Bubi von Strudl zur Buchtelau, schwarzes Schaf der Adelssippe, kämpft als Vegetarier vergebens um Anerkennung und Sterblichkeit. Rot dominiert in allen Formen und Materialien: Brokat, Tüll, Samt, Seide, Kerzen und Blutwurst; rot der Inhalt in der sich drehenden Waschmaschine; rot leuchten die Augen der Fledermaus. Die Schauplätze glänzen als virtuose Tableaus schillernder Selbstinszenierungen. Eine perfekte Bühne für Conchita Wurst und ihren Eurovision-Siegertitel „Rise Like a Phoenix“. Die österreichische Metropole beansprucht zu Recht eine Hauptrolle bei diesem opulenten Tanz der Vampire zwischen Narrenturm und Mitternachtsdinner in der Gondel des Riesenrads auf dem Prater. / Anna Grillet 

„Die Blutgräfin“: AUT/LUX/D Regie: Ulrike Ottinger. Mit: Isabelle Huppert, Birgit Minichmayr, Thomas Schubert, Lars Eidinger, Conchita Wurst. 119 Min. Ab 29.10. Sterne: 3 

Filmkritik: „Minotaurus“

Der griechischen Sage nach zwang König Minos die Athener, dem titelgebenden Stierwesen genau vierzehn Stadtbewohner zu opfern. Der russische Regisseur Andrey Zyvagintsev, inzwischen im französischen Exil, wendet diesen antiken Stoff auf sein Heimatland an und zeichnet das beklemmende Bild einer Nation im inneren und äußeren Kriegszustand. Gleb und Galina leben mit ihrem Teenager-Sohn in einer namenlosen Stadt fern von Moskau. Ihre Ehe wirkt genauso kalt wie ihre High-End-Designerdatsche am Waldrand. Galinas Gesicht erstrahlt nur, wenn sie geheime Textnachrichten auf ihrem Smartphone empfängt. Gleb ahnt, dass seine schöne Frau einen Liebhaber hat. Doch als CEO einer erfolgreichen Logistikfirma hat er momentan andere Probleme. Wir schreiben das Jahr 2022, die Invasion der Ukraine hat gerade begonnen. Auf Druck des Militärs verlangt der Bürgermeister, dass alle Firmen der Stadt Mitarbeiter für den Kriegsdienst freistellen. Gleb soll vierzehn „Entbehrliche“ auflisten, die dann umgehend abkommandiert werden. Er ersinnt einen teuflischen Plan, der unternehmerisch vernünftig scheint. Anschließend nimmt er das private Problem in Angriff. Ein Privatschnüffler präsentiert Überwachungsfotos, die Galina mit einem jungen Fotografen zeigen. Glebs schadensbegrenzende Maßnahmen für Firma und Ehe, mal taktisch eingefädelt, mal aus dem Affekt, sind eiskalt und skrupellos. Doch der Zweck heiligt die Mittel, gilt es doch, Besitzstand und Gesicht zu wahren. Der frisch entfachte Krieg begleitet die Handlung eher als Störgeräusch am Rande. Außenaufnahmen sind mit Propagandaplakaten und „Z“-Logos gespickt, in einer herzzerreißenden Abschiedsszene verabschieden Familien ihre Lieben an die Front. Die Kaste der Besitzenden, der auch Gleb angehört, ist vor diesem Schicksal aber eh gefeit. „Minotaurus“ ist schonungslose politische Analyse und packender Thriller zugleich, messerscharf inszeniert und mitreißend gespielt. Der Blick ins geächtete Nachbarland zeigt ein Imperium in gesellschaftlicher und moralischer Auflösung. / Calle Claus 

„Minotaurus“: FRA/D/LV Regie: Andrey Zyvagintsev. Mit: Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Boris Kudrin. 142 Min. Ab 5.11. Sterne: 5 

Filmkritik: „The Weight – Im Goldrausch“

Manche Schauspieler überstrahlen mit ihrem Star-Image ganze Filme. Andere Darsteller wiederum schaffen es, hinter ihren Rollen zu verschwinden und diese mit besonderer Glaubwürdigkeit aufzuladen. Dass Ethan Hawke eher in letztere Kategorie gehört, beweist der US-Amerikaner auch in „The Weight – Im Goldrausch“. Mit kernigem Engagement spielt er darin den Weltkriegsveteranen Samuel Murphy, der im Jahr 1933 mit den Härten der Großen Depression zu kämpfen hat. Als der Witwer mit seiner kleinen Tochter nach einer neuen Bleibe sucht, gerät er mit Zivilpolizisten aneinander – und landet im Gefängnis. Von seinem Kind getrennt und in ein Arbeitslager abgeschoben, bietet sich Murphy irgendwann die Chance, vorzeitig entlassen zu werden – und damit die Möglichkeit, das Sorgerecht zurückzugewinnen. Camp-Aufseher Clancy, trotz geringer Leinwandzeit von Russell Crowe mit bedrohlicher Präsenz versehen, heuert ihn für ein riskantes Manöver an: Gemeinsam mit einigen anderen Männern soll der Inhaftierte Gold aus einer Mine schmuggeln, das Präsident Roosevelt eigentlich konfiszieren will. Kinodebütant Padraic McKinley nutzt den historischen Hintergrund für einen Thriller mit Westernanleihen und erdiger Intensität. Fokussiert auf den gefährlichen Marsch durch die Wildnis Oregons (gedreht wurde die amerikanisch-deutsche Koproduktion in Bayern!), weckt der Film Erinnerungen an Alejandro González Iñárritus Survivaldrama „The Revenant – Der Rückkehrer“, für das Leonardo DiCaprio einen Oscar erhielt. „The Weight – Im Goldrausch“ kommt jedoch ganz ohne mythologische Überhöhung aus, ist geradlinig und zieht dabei die Spannungsschraube geschickt an. Mehrfach stolpern Murphy und seine Begleiter in brenzlige Situationen, bei denen sich die agile Kamera mitten ins Getümmel stürzt. Nicht zuletzt die Antipathien innerhalb der Gruppe sorgen dafür, dass konstant Druck auf dem Kessel ist. Unpassend wirkt allerdings der deutsche Untertitel, der die Atmosphäre irreführend umschreibt. / Christopher Diekhaus 

„The Weight – Im Goldrausch“: USA/D Regie: Padraic McKinley. Mit: Ethan Hawke, Russell Crowe, Julia Jones. 113 Min. Ab 19.11. Sterne: 4 

Filmkritik: „From Inside Out – The Architecture of Peter Zumthor“

Wer schon mal in einem Gebäude des Schweizer Architekten Peter Zumthor war, der weiß, was für ein Erlebnis das ist. Ob im Kolumba des Erzbistums Köln, dessen Kirchenruine mit dem Museum verschmilzt, der Therme in Vals, die wie ein Badetempel wirkt oder im Neubau des LACMA in Los Angeles, das sich über dem Wilshire Boulevard windet und die Museumssammlung ganz ohne Hierarchien präsentiert. Matisse trifft auf antike Vasen, Fotografie auf Heiligengemälde und alles ist so angelegt, dass jeder seinen ganz eigenen Weg findet. 14 Jahre hat Wim Wenders daran gearbeitet, das Werk Zumthors einzufangen – vor allem auch das Gefühl, wenn man sich durch dessen Räume bewegt. Für Zumthor sollen sie das Bewusstsein für die Unendlichkeit, die sie umgibt, anregen und Wenders fängt das in 3D und in umwerfend fließenden Bildern ein, die nicht nur die Räume, sondern auch die Umgebung spüren lassen. Leider gibt er sich nicht damit zufrieden und lässt, um die Architektur erfahrbar zu machen, eine Musikerin auf Gläsern spielen und Sophie Hunger von „Innen und Außen“ singen. Er lässt einen Künstler zeichnen, eine Tänzerin Kreise ziehen – und platziert berühmte Freunde wie Werner Herzog oder Siri Huvstedt darin.
Viel näher dran ans Leben rückt die Architektur, wenn die Familie Luzi, für die Zumthor ein Haus entwarf, erzählt, wie sie selbst angepackt hat und die Mutter sich weigerte, einer abgetrennten Küche zuzustimmen. Oder man sieht, wie ein Bauer mit Freunden die Bruder-Klaus-Kapelle baut, die wie ein Monolith mitten aus einem Feld herausragt. Und dann ist da noch Zumthor selbst, der mit roten Socken auf dem Sofa liegt oder mit seinen Enkeln „Mensch ärgere dich nicht“ spielt und von der Schönheit der Materialien und unverputzten Wänden erzählt; und davon, wie seine Architektur Schutz und Geborgenheit geben möchte, die er früher selbst zu wenig hatte. Da ist man seiner Baukunst dann wirklich nah. / Sabine Danek 

„From Inside Out – The Architecture of Peter Zumthor“: D/CH Regie: Wim Wenders. Mit: Peter Zumthor, Ava DuVernay, Siri Hustvedt, Werner Herzog. 114 Min. Ab 26.11. Sterne: 3 

Filmkritik: „Schöne Seelen“

Mit seinem Schnauzer und dem schiefen Grinsen wirkt Freddy (August Diehl) auf den ersten Blick wie ein lässiger Typ. „Slacker“ nannte man einen wie ihn anno 1996. Der Taugenichts schlägt sich mit Gelegenheitsjobs durchs Leben und teilt sich eine enge Wohnung mit seiner alleinstehenden Mutter. Er müsste dringend den Absprung schaffen, doch Selbstinitiative ist für ihn ein Fremdwort mit viel zu vielen Silben. Durch ein Missverständnis landet er dann in einem Reisebus nach Spanien. Und, siehe da: Die Sonne der Costa Brava erweckt Freddys Lebensgeister. Er findet Zugang zum Dunstkreis des alternden, umtriebigen Club-Moguls Herbert (Josef Hader), der ihn alsbald fördert wie einen verlorenen Sohn. Herberts Disco „Palm Beach“ ist ein von Koks und Alkohol befeuerter Schnellkochtopf für gestrandete Aussteiger und Party-Touristen. Nicht selten greift der Chef zum Mikro und stimmt aktuelle Dancefloor-Kracher an, „Captain Jack“ lässt grüßen. Freddy wird derweil sein „Mädchen für alles“. Doch das vermeintliche Party-Paradies ist kein Ponyhof: Konkurrenzkampf, Überstunden und Drogensumpf zollen Tribut bei Freddy. Und dann steht plötzlich auch noch Mama auf der Matte! Die zweite Zusammenarbeit von August Diehl mit Regisseur Tom Schreiber (nach „Dr. Aléman“ von 2008) punktet vor allem mit dem atmosphärischen Setting zubetonierter iberischer Strandpromenaden, an denen sich ein Disco-Bunker an den nächsten reiht. Dass August Diehl und Josef Hader zwei darstellerische Hochkaräter sind, ist eh klar. Allein Haders haarsträubende Interpretation des Stefan-Remmler-Gassenhauers „Keine Sterne in Athen“ rechtfertigt der Kinobesuch. Doch obwohl alle Zutaten beisammen sind, kommt am Ende leider kein wirklich überzeugender Film heraus. Vieles wirkt nicht auserzählt, krasse Ereignisse bleiben seltsam folgenlos und Kommissar Zufall wird einmal zu oft strapaziert. Man hätte sich das Drehbuch etwas straffer gewünscht, doch leider bröselt die Dramaturgie an vielen Stellen wie die Selbstgedrehte in Freddys Mundwinkel. / Calle Claus                                                                

„Schöne Seelen“: D. Regie: Tom Schreiber. Mit: August Diehl, Josef Hader, Maya Unger, Sabine Winterfeldt. 117 Min. Ab 26.11. Sterne: 3 

Diese Kritiken sind zuerst in SZENE HAMBURG 11/26 erschienen.