Zum zweiten Mal holte Schauspielhaus-Intendantin Karin Beier das dänisch-österreichische Künstlerduo „Signa“ nach Hamburg. Mit „Söhne & Söhne“ entwarf Signa eine  Theaterrealität als Psychospiel

Das dänisch-österreichische Künstlerduo „Signa“ brachte bereits 2013 mit „Schwarze Augen, Maria“ eine der ungewöhnlichsten Performance-Installationen nach Hamburg. Eine Parallelwelt aus Theater, Performance und Bildender Kunst, durch die sich der Zuschauer bewegte.  Jetzt kommt im November die zweite Arbeit der freien Gruppe ans Schauspielhaus: „Söhne & Söhne“. Ein sonderbares Familienunternehmen, das nur im Hintergrund operiert, niemals Gewinne verzeichnet, und ein undurchsichtiges Verfahren sucht die Angestellten aus, die sich auf ewig verpflichten. Jetzt soll eine Zweigniederlassung in Hamburg gegründet werden, der Zweck: ungewiss.

/ Vorankündigung von Hedda Bültmann erschienen 11/2015 in SZENE HAMBURG

Deutsches SchauSpielHaus Hamburg: „Söhne & Söhne“ – Eine Performance-Installation von SIGNA

Dekadentes Luxusprojekt

SIGNA ist wohl die spannendste Gruppe, die zurzeit europaweit inszeniert. Lisa Scheide traf sich nach der beeindruckenden Premiere von „Söhne & Söhne“ mit der Dänin Signa Köstler. Sie ist mit ihrem Mann Arthur Köstler Kopf der Gruppe. Ein Gespräch über die Performance-Installation und  Theater als dekadentes Luxusprodukt

SZENE HAMBURG: Das Stück ist psychologisch übergriffig. Meine erste Station war die „Abteilung für Resistenz-Schulung“. Ich habe kurz mit dem Gedanken gespielt zu gehen, weil die Kriegssimulation im Dunkeln mich sehr geschockt hat. Wozu diese Radikalität?

Signa Köstler: Es ist doch umgekehrt: Diese Sachen gehören ja zum Leben, ich habe sie nicht erfunden. Die Brutalität, der Druck, Krieg. Vor ein paar Jahren haben wir Gewalt noch viel deutlicher dargestellt. Dann habe ich festgestellt, wenn ich so insistiere, nehmen die Menschen Abstand, indem sie zumachen.

Ein Teilnehmer hat sich vor dem „Büro für interne Gesetze“ heftig über die inszenierten Machtstrukturen aufgeregt. Kam es schon einmal zu einer Eskalation?

Ich wurde letzte Woche von einem Menschen aus dem Publikum geschlagen. Erst wollte er in mein Büro nicht rein und dann konnte ihn keiner dazu bringen, es wieder zu verlassen. Als ich es versucht habe, hat er „bam-bam“ zugeschlagen. Das passiert aber selten.

Freut sie das oder finden sie das erschreckend?

Gerade diesen Teilnehmer hat „Söhne & Söhne“ so überfordert, dass er keine Grenze ziehen konnte. Ich habe mir Sorgen um ihn gemacht. Ich bin selten erschrocken, aber die Darsteller müssen wirklich gut aufeinander aufpassen. Jeder muss sich auf den anderen verlassen können, niemand darf alleingelassen werden.

Sie kommen nicht aus dem Schauspielbereich, woher kommt es, dass sie so radikale Theaterstücke entwickeln können?

Ich war nie ein Theatermensch. Ich habe Kunstgeschichte studiert und meinen Bachelor gemacht. Nebenbei war ich im Rotlicht tätig als Nachtklubtänzerin und Champagner-Mädchen. Dort habe ich diese Form der Interaktion gelernt. Das ist die beste Schule dafür, aber auch eine harte. Man muss eine Intimität, Vertrauen und Magie schaffen, und die Wünsche des Gentleman gegenüber deuten können.

Wie kommt man von dort zu einem Stück wie „Söhne & Söhne“?

Das hat noch viele Jahre gedauert (lacht). Mein Interesse galt der Kunstperformance. Gekoppelt mit meiner Erfahrung im Rotlichtmilieu war mir klar, was das für eine unglaubliche Kraft hat. Und ich war jung, Mitte zwanzig, und hatte wenig Ehrfurcht vor dem Theater, auch weil ich mich nicht auskannte.

Es ist beeindruckend, mit welcher Liebe zum Detail ihr das ehemalige Schulgebäude umgestaltet habt. Wie wichtig ist das ästhetische Konzept?

Sehr, sehr wichtig. Wir kommen ja aus der Bildenden Kunst, mein Mann Arthur und ich und Mona el Gammal, die mit mir das Bühnenbild gemacht hat. Ich sehe die Räume wie ein Skript. Sie sind auch Teil der Proben. Die Darsteller müssen sich jedes Objekt ganz genau angucken und darüber nachdenken, was heißt dieses Objekt für meinen Charakter. Jedes Objekt hat eine Bedeutung, nichts ist zufällig.

50 Darsteller und 70 „Zuschauer“. Das ist sehr teuer und vor allem tut es mir um jeden Hamburger leid, der das Stück nicht mehr sehen kann, weil es seit der Premiere komplett ausverkauft ist. Ist das nicht hochgradig elitär?

Ja, es ist irgendwie ein dekadentes Luxusprodukt. Das ist schade, denn es ist eine Wahnsinnsarbeit und nicht billig. Aber man kann nicht mehr Leute reinlassen. Das Stück funktioniert nur über die Nähe. Sonst müssten wir wieder ins Theater und dann hat man die Leute wieder passiv im Dunkeln sitzen. Das interessiert mich nicht.

Macht, Unterdrückung, religiöse Diktatur, patriarchale Hierarchie. Sind das die zentralen Themen des Stückes oder ist „Söhne & Söhne“ im Kern eine Kapitalismuskritik?

Puh …, es ist nicht nur eine Wirtschaftskritik, das wäre zu wenig. Es geht um zwischenmenschliche Beziehungen und um das Individuum in der Gesellschaft. Jede Vorstellung ist eigentlich eine Verhandlung über die conditio humana. Wie wir miteinander umgehen, ob wir Verantwortung übernehmen oder nicht. Klingt nicht sehr originell … (schmunzelt).

Das versteht man vor allem, wenn man das Stück gesehen hat. Um ihre eigene Rolle zu proben, haben Sie immer wenig Zeit, aber die Tränen des Oikonomos Walerian Lieblingssohn I. waren echt?

Ja, im Spiel kriege ich das hin. Aber als Privatmensch bin ich eine harte Nuss, ich weine nie (lacht).

Ist ein neues Stück geplant in Hamburg?

Das hängt mit der Intendanz von Karin Beier zusammen, sie hat uns nach Hamburg geholt. Wenn sie geht, gehen wir auch.

/ Interview Lisa Scheide, erschienen 12/2015 in SZENE HAMBURG

Schule in der Averhoffstraße 38, Premiere: 6.11.2015

Fotos: Arthur Köstler

Eine Oper, die alles Opernhafte vermeidet. Ein zutiefst religiöses Werk ohne Pathos. Beides ist der Hamburger Staatsoper mit der Inszenierung der Matthäus-Passion in den Deichtorhallen gelungen

Die Boulevard-Presse leckte sich im Vorfeld die Finger, weil der skandalumwobene Regisseur Romeo Castellucci Bachs Werk auf die Bühne bringen sollte. Sie allein wurde enttäuscht. Bestürzend waren höchstens die ungewöhnlich vielen ärztlichen Notfälle im Publikum, die als ungeplante Allegorie manche Zuschauer auf bizarre und unmittelbare Weise erschütterten.

Castellucci selbst verzichtet auf jede emotionale Verdichtung des Stoffes: „grelles Putzlicht“ in der riesigen, nüchternen Ausstellungshalle, der Chor, das Philharmonische Staatsorchester inklusive Kent Nagano, die sechs Solisten, die Bänke, die Wände, der Boden – alles in Weiß. Der Text wird an die Rückwand geworfen, zwischen Musikern und Publikum liegt eine weite Projektionsfläche auf der moderne Allegorien zu den biblischen Passagen entstehen. Der Zuschauer hat ein Heft an die Hand bekommen, mit dessen Hilfe er Text, Bild und Musik zu einem komplexen Symbol zusammensetzen kann. 18 Bilder, die jedes für sich eine eigene Inszenierung darstellen.

Ein Beispiel: VII Einsamkeit – Jesus betet im Garten Gethsemane bevor er von Judas verraten wird, der Tenor Bernhard Richter singt die 20. Arie, eine weiße Matte mit schwarzem Ring in der Mitte wir hineingezogen, zwei Ringer des Wandsbeker Athleten Club treten ein und beginnen miteinander zu ringen. Die Vielschichtigkeit der Allegorien und ihr Bezug zur Gegenwart versetzen die Matthäus-Passion in das Jetzt und Hier. Sogar die Musik verliert ihre religiöse Kraft, die Bachs Version des Leiden Christi in einer Kirche entfalten kann.

Eine Inszenierung also, bei der die Zuschauer den Kopf einschalten müssen, und das ist genau das richtige Zeichen in Zeiten des religiösen Fanatismus.

/ Kritik von Lisa Scheide erschienen 05/2016 in SZENE HAMBURG

Internationales Musikfest – Eröffnungsstück der Staatsoper in den Deichtorhallen, Premiere 21.4.2016

Fotos: Bernd Uhlig

Der „epischer Theater-Workshop“ im Thalia Theater wurde bei SZENE HAMBURG gleich zweimal zum Highlight der Saison gewählt und ist eine weitere gepriesene Regiearbeit von Antú Romero Nunes

Das Thalia Theater bringt zur Saisoneröffnung Brechts populären Klassiker „Die Dreigroschenoper” als extrareduzierte Dreigroschen-Werkstatt. Der nackte Bühnenraum mit seiner schwarzen Patina bleibt ganz ohne Projektionen und Tafeln, nicht mal einen Vorhang gibt es. Lediglich ein schwarzes Tuch an der rückwärtigen Seite verbirgt zu Beginn die Band auf der Bühne. Peachums (Jörg Pohl) erster Auftritt dient auch gleich zur Einführung in die Formalia des Abends: Auf Kulissen und Requisiten werde verzichtet, man erläutere nur jeweils kurz Ort und Personal des Geschehens. „Zuschauer ohne Imagination können eigentlich gleich wieder nach Hause gehen!“, krakeelt er mit einer Stimme wie eine Parodie auf Brecht. Das kommt nicht von ungefähr, denn er und alle Darsteller sind identisch gekleidet als Brecht’sche Doppelgänger mit Blaumann, Mütze, Brille und ab und an einer Zigarre. Hier wird der zur Selbstdarstellung neigende Brecht gleich mitinszeniert.

Die Darstellerriege ist gut bei Stimme und mit enormer Bandbreite. Sie geben die Figuren in einem Mix von Pathos und überspitzter Parodie, treten dabei immer wieder aus der Rolle, kommentieren ihr Spiel, wiederholen eine Szene, debattieren über „zeigendes Zeigen” und die beste Art, ein Lied vorzutragen. Nebentexte werden erzählt und mitunter Brechts Anmerkungen für die Schauspieler zitiert, unterstrichen von Pantomime und Geräuschemacherei. Ein paar textliche Aktualisierungen und regionale Bezüge sorgen für Amüsement. Das ist episches Theater praktiziert in seiner Potenz; ein Workshop für Fortgeschrittene und ein Vergnügen für den Brechtkenner.

Den berittenen königlichen Boten, der am Ende auftaucht „als die Not am größten“, inszeniert Hausregisseur Antú Romero Nunes als Kommentar auf die formalen Verpflichtungen des Brecht’schen Theaters. Der Bote ist zwar kostümiert, aber das Pferd eindrucksvoll echt – wie die Äpfel, die es hinterließ.

/ Kritik von Reimar Biedermann erschienen 10/2015 in SZENE HAMBURG

Thalia Theater, Premiere: 12.9.2015

Foto: Armin Smailovic

Adipöse, verkrüppelte Un-Wesen bevölkern das Dorf vor dem Schloss, sie sind mies, verschlagen, gewalttätig, pädophil und absolut fremdenfeindlich. Auch dem Publikum gegenüber gebaren sie sich widerwärtig. Frontal sprechen die Schauspieler zeitweise ihren Text in den Saal und machen so den Zuschauer zum Landvermesser K., der angeblich im Auftrag des Schlosses gekommen ist, um seine Arbeit zu machen. Auf bisweilen grotesk-komische Art versucht man ihn loszuwerden. Bezirpst, beschimpft, verlacht ihn und führt ihn an der Nase herum.

Kein schöner Ort, den der junge Hausregisseur Antú Romero Nunes heraufbeschwört, aber das hat bei dem Stoff wohl auch niemand erwartet. Die Inszenierung von Kafkas unvollendetem Text „Das Schloss“ beschäftigt sich im Gegensatz zu seinem Werk allgemein weniger mit gott-ähnlicher Bürokratie, vielmehr legt Nunes den Fokus auf Fremdenfeindlichkeit und Legitimation des Daseins. Dieser Teil ist sehr gelungen. Schön auch, dass das Stück zunächst nicht mit Bedeutung überfrachtet wird. Es ist eher bösartig verspielt. Als das Publikum vor einem absurden Dorftribunal sitzt und ein Rock mit Kopf auf einem Rollstuhl herangedribbelt kommt, lässt sich der Regisseur sogar zu einem Pupswitz hinreißen.

Merkwürdig nur, wie in der letzten Etappe sich plötzlich alles ändert: Die sieben Schauspieler werfen ihre wanstigen, hässlichen Körperkostüme ab. Die Figuren wirken jetzt noch grausamer, weniger mitleiderregend. Mirco Kreibich mutiert in einer gigantischen, zirkusreifen Leistung zu einem Käfer und dann zum Landvermesser K. Das Stück wird im Fast-Forward-Modus noch einmal durchgespielt und endet dramatisch, apokalyptisch, bedeutungsschwanger. Eine merkwürdige Wendung, die den Zuschauer, wie den Landvermesser im Schlussbild, im Schnee stehen lässt.

/ Kritik von Lisa Scheide erschienen am 07/2016 in SZENE HAMBURG

Thalia Theater, Premiere: 4.6.2016

Fotos: Armin Smailovic

Die „Wortgefechte-Reihe“ des kleinen Sprechwerks beeindruckte in der vergangenen Saison. So auch das Stück „Im Ausnahmezustand“ über eine geistig verdorrte Elite

Herauszuheben ist die mutigen Stückauswahl und der großartigen Umsetzungen mit minimalen Mitteln und konsequenter Durchführung, (fast) ohne Förderung.

„Du musst es in dir wiederfinden, sonst sind wir verloren. Und fallen Tausende Meter in die Tiefe, wo wir zappeln und schreien und schreien, bis uns die Sonne das Hirn wegfrisst“, sagt die namenlose Frau (Catharina Fleckenstein) zu ihrem Mann, als dieser durch einen Burn-out seinen Arbeitsplatz in Gefahr bringt – und die Existenz der gesamten Familie. Denn in dem Stück „Im Ausnahmezustand“ von Falk Richter droht bei Jobverlust der Rauswurf aus der „Gated Community“, eine abgeriegelte Siedlung für ausgewählte Mitglieder, die soziale Elite, abgetrennt durch einen Zaun vom „Draußen“, wo der gesellschaftliche Abfall lebt.

Von dort haben es vor zwanzig Jahren der Mann (Tom Pidde) mit seiner Frau in die vermeintliche Sicherheit innerhalb des Zaunes geschafft. Seitdem haben sie sich an die ungeschriebenen Gesetze der Community, Produktivität und Anpassung, gehalten – bis jetzt. Der Mann funktioniert nicht mehr und die Teenager-Tochter (Ines Nieri) wird aufmüpfig. Mit allen Mitteln versucht die Frau ihren sozialen Status aufrechtzuerhalten und entpuppt sich unter ihrem biederen Äußeren als paranoide Tyrannin: Ihrem Mann empfiehlt sie einen Seitensprung, um seine Energie aufzutanken und nachts legt sie sich unter das Bett ihrer Tochter, um zu belauschen, was diese im Schlaf spricht.

Regisseurin Frederike Barthel dokumentiert den Zerfall einer Familie. Als das Heile-Welt-Konstrukt gestört wird, brechen die Bedürfnisse und Ängste des Einzelnen, die seit langer Zeit unter der Oberfläche gären, hervor. Das Familienleben wird zur Farce und Vater, Mutter, Kind zu Feinden. Die darüber einsetzende Sprachlosigkeit innerhalb der Familie wird über unvollendete Satzfragmente im Text transportiert (und hervorragend vom Ensemble umgesetzt), die innere Kapitulation vor der eigenen Unzulänglichkeit durch das Abnehmen der Perücken.

Klug inszeniert mit kreativen Kniffen, zeichnet das Stück die Familie in ihrem Mikrokosmos als Abbild unserer in Aufruhr geratenen Gesellschaft, und die Community als Metapher für das Leistungssystem. Auch kann man gedanklich den Bogen zur heutigen Flüchtlingssituation schlagen. All jene, die von draußen am Zaun rütteln, um reingelassen zu werden und Panik bei der Wohlstandsgesellschaft auslösen. Neunzig Minuten, die nachwirken.

/ Kritik von Hedda Bültmann erschienen 02/2016 in SZENE HAMBURG

Sprechwerk, Premiere: 8.1.2016

Foto: Stefan Malzkorn