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Premiere “Tussipark”: Das Ohnsorg-Theater ist zurück
Das plattdeutsche Ohnsorg-Theater kehrt mit der hochdeutschen Komödie „Tussipark“ zurück in den Betrieb
Es geht wieder los, endlich. Das Ohnsorg-Theater geht nach vier Monaten Zwangslockdown mit der Karaoke-Komödie „Tussipark“ von Christian Kühn wieder in Betrieb. Nebenbei gemerkt: Das erste szenische Theater in Hamburg seit dem Lockdown, denn das Tivoli eröffnete im Juli zwar als erste Theater, jedoch mit einer Show – wie auch Michael Lang nicht ohne Stolz am Premierenabend ankündigte.
Sichtlich erleichtert empfing der Ohnsorg-Intendant seine Gäste. Es sei so schön, endlich wieder Leben im Haus zu haben, sagte er. Und nein, das war keine Floskel, sondern aufrichtige Dankbarkeit. Den nur 123 Zuschauern (Abstandsregel…) bot sich daraufhin ein unbeschwerter Abend auf hochdeutsch mit vier Schauspielerinnen auf Hochtouren.
Tussipark: Das Stück hat einen hohe Gag-Dichte
Tanja Bahmani läuft im Brautkleid durchs Parkhaus, sie hat ihren Fast-Ehemann wegen vermeintlicher Untreue vor dem Altar stehen lassen. Caroline Kiesewetter ist die schlagfertige Lebensberaterin, deren Kalenderweisheiten ihr bei ihren Männerproblemen letztlich auch nicht weiterhelfen. Julia Holmes ist die schwangere Ehefrau, die nicht zurück zu ihrem unreifen Ehemann will. Und Rabea Lübbe spielt die verpeilte, liebenswerte Jennifer, die kein permanent Wörter verwechselt und Konversation und Konservation nicht unterscheiden kann.
Die vier Frauen verbringen eine Nacht im Parkhaus eines Einkaufszentrums (schönes Bühnenbild von Katrin Reimers) und teilen in rasanten Dialogen ihre Enttäuschung über die Männerwelt. Zum Ende schlucken sie Wunderpillen und mischen im Rausch das Einkaufszentrum auf – „Hangover“ lässt grüßen. Das Stück hat eine hohe Gag-Dichte, bisweilen mit Einpark-Kalauern auf Mario-Barth-Niveau, meist aber pointiert und mit Mut zum Quatsch: „Ständig kamen meine älteren Verwandten auf Hochzeiten zu mir und sagten: ‚Du bist die Nächste!‘ Bis ich anfing, auf Beerdigungen das gleiche zu ihnen zu sagen.“
Abstandsregeln auf der Bühne
Dazu gibt’s viele Hits: „Baby One More Time” von Britney Spears, „Wannabe” von den Spice Girls”, “Dancing Queen” von Abba, „Survivor“ von Destiny’s Child. Gesungen wird allerdings nur Playback (danke, Corona) – macht aber nichts, funktioniert trotzdem bestens. Überhaupt: Charmanter, humorvoller kann man mit den Abstandsregeln, die auch auf der Bühne eingehalten werden müssen, nicht umgehen, als es die vier Schauspielerinnen an diesem Abend augenzwinkernd tun. Das Publikum dankt’s mit langem Applaus.
Eine Premierenfeier konnte unter den aktuellen Umständen nicht stattfinden. Stattdessen gab’s draußen vor der Tür Gespräche mit Abstand und Eis mit Stil – was ja auch ganz gut passt nach einer Sommerkomödie. / UT
Ohnsorg-Theater
Weitere Termine bis zum 26. Juli 2020
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4 Minuten Theater: „Wir sind noch da!“
Hamburgs Privattheater sind vielfältig. Das zeigt das digitale Format „4 Minuten Theater“, das den Zuschauer jede Woche mit in ein anderes Theater nimmt
Text & Fotos: Ulrich Thiele
Die Bühnenszene ist abgedreht, jetzt kommt der nächste Teil des Programms. „Willkommen an der längsten Tafel Hamburgs“, ruft Thomas Gisiger in die Kamera und zieht den massiven schwarzen Vorhang auf, der die Bühne vom Speisesaal trennt. Licht flutet den Bühnenraum, doch auf halbem Wege stockt der Vorhang. Also Vorhang wieder zu und noch mal von vorn. Es ist nicht der erste Patzer an diesem Drehtag, einmal wollte Gisiger eine Flasche öffnen, aber die Flasche wollte nicht. „Das ist der Corona-Rost“, sagt Kameramann Martin D’Costa und lacht. Die lustigsten Patzer sollen mit ins Video aufgenommen werden.
Thomas Gisiger ist Gastgeber und Schauspieler im Theater Die 2te Heimat im Quartier Phoenixhof in Ottensen, Martin D’Costa betreibt die Produktionsfirma Dschungelfilm. Gemeinsam drehen sie heute einen Film, der den Zuschauern die Atmosphäre und den Stil der 2ten Heimat vermitteln soll.
Wenn es am Ende so aussehen soll, als würde der fiktive Gast „Riz Casimir“ essen …(Foto: Ulrich Thiele)
Das Salon-Theater kombiniert Kultur, Kulinarisches und Kommunikation: Nach einer – meist tragikomischen – Vorführung wird den Gästen an der 24 Meter langen Holztafel ein Essen serviert, bei dem sie sich über das Stück austauschen können. Wie vermittelt man das am besten? Mit einem gesamten Theaterabend aus der Perspektive eines Besuchers in maximal vier Minuten zusammengefasst. Einen genauen Plan gibt es nicht, die Szenen sind improvisiert. Nur die Grundstimmung steht fest: Gisiger begleitet den fiktiven Gast überschäumend vor Freude, endlich wieder einen Besucher empfangen zu dürfen. Der gebürtige Schweizer redet in hellster Aufregung, lacht, gestikuliert mit den Händen, winkt der Kamera zu, ihm zu folgen, rennt und rennt und rennt von Programmpunkt zu Programmpunkt.
Experimentierfreude
Der Dreh ist Teil des neuen digitalen Formats „4 Minuten Theater“ (4MT), das die Behörde für Kultur und Medien und Hamburgs Privattheater ins Leben gerufen haben. Und das bietet mehr als „nur“ den Stream einer Aufführung oder Szene: In kurzen, experimentierfreudigen Videos präsentieren Hamburgs Privattheater in kreativer Verdichtung ihre künstlerischen und kreativen Ansätze.
Unterstützt werden sie dabei von den Hamburger Produktionsfirmen Hirn und Wanst, Stu- dio17 und Dschungelfilm. Mit dabei sind unter anderem Geschichten aus dem Lichthof Theater, das sich an filmische Virtual-Reality-Experimente wagt, dem Ernst-Deutsch-Theater, dem St. Pauli Theater und dem Klabauter Theater. Das Projekt ist ein Lichtblick für Regisseure und Schauspieler, die in Zeiten der Pandemie nicht nur unter finanziellem Druck stehen, sondern auch kreativen Durst haben, die ihr Publikum vermissen, die Aura eines gemeinsamen Abends. Und natürlich für alle Kulturliebhaber, die es vermissen, ausgehen zu können. „Die Privattheater haben gemeinsam mit Produktionsfirmen aus Hamburg einen Weg gefunden, der Pandemie mit einer gehörigen Portion Charme und Optimismus zu begegnen und weiter sichtbar zu bleiben. Damit senden sie ein wichtiges Signal: Wir sind noch da, wir machen weiter, wir freuen uns auf euch!“, kündigte Kultursenator Carsten Brosda das Format an.
Opernstück in vier Minuten
Seit dem 4. Juni erscheint jede Woche ein Beitrag, den Anfang macht der Engelsaal, Hamburgs ältestes Privattheater. Der künstlerische Leiter Philip Lüsebrink zeigt in dem Video mit einem selbstironischen Augenzwinkern, wie Musiktheater in Zeiten des Lockdowns dem Publikum filmisch nach Hause gebracht werden kann. Und zwar mit einer One-Man-Kurzperformance (gewitzte Schnitttechnik macht’s möglich) der Operette „Das Land des Lächelns“ von Franz Lehár. Prinz Sou-Chong (Philip Lüsebrink) erkennt darin, dass die kulturellen Unterschiede zwischen ihm und seiner geliebten Lisa (Philip Lüsebrink) viel zu groß sind. Trotz ihrer Liebe finden sie nicht zueinander. Dazu gibt’s einen Blick hinter die Kulissen zum musikalischen Begleiter am Klavier (Philip Lüsebrink) und zum leicht versnobten Regisseur (Philip Lüsebrink).
Was passiert eigentlich gerade an den Hamburger Bühnen? Ab heute erscheinen unter dem Motto „4 Minuten Theater“ jede Woche kurze Videobeiträge von verschiedenen Privattheatern. Den Anfang macht der @Hamburger Engelsaal: Künstlerischer Leiter Philip Lüsebrink zeigt mit einem Augenzwinkern, wie Theater durch filmische Mittel in der aktuellen Situation stattfinden kann. Vorhang auf!
Gepostet von Szene Hamburg Stadtmagazin am Donnerstag, 4. Juni 2020
Eine Woche später folgt ein Video, das die Solidarität unter Hamburgs Theatern demonstriert. Weil im Hansa Varieté gerade umgebaut wird, hat das St. Pauli Theater die Hansa Boys zu sich auf die Bühne eingeladen, wo sie ein Mini-Konzert unter Einhaltung der Corona-Auflagen spielen. „Moin! Moin! Moin! Moin!“, röhrt Sänger Rolf Clausen ins Mikrofon und singt über Hamburger-Klischees: „Manche sagen, wir wären kühl / Hätten einfach kein Gefühl“. Stimmt natürlich nicht: „Ihr wisst nicht, was in uns geschieht / Also spielt nicht mit dem Feuer / Weil man nichts von außen sieht / Wir sind pures Dynamit.“
„Die Gäste fehlen mir“
Zurück ins Die 2te Heimat. Thomas Gisiger serviert dem Gast „Riz Casimir“, ein traditionelles Schweizer Gericht. „Damit zeigen wir unseren Gästen: So schmeckt die Schweiz“, sagt er und erzählt sehnsüchtig von seiner Kindheit in seiner ersten Heimat. Die Sehnsucht nach Betrieb, hier, in seiner zweiten Heimat, ist genauso groß: „Normalerweise sitzen hier 70 Menschen an der Tafel. Dieses gesellige Grummeln, das haptische Bei-den-Leuten-sein und ihnen auf die Schulter zu klopfen – das fehlt mir.“
Die letzten Monate waren schwer für Gisiger und seinen Mann Andreas Löher, mit dem er das Theater gemeinsam betreibt. Wie für alle Theaterbetreiber. Der Lockdown kam bekanntlich plötzlich, Veranstaltungen mussten abgesagt werden, Einnahmen fallen aus, gleichzeitig sind die laufenden Kosten hoch. Erst vor zwei Jahren sind Löher und Gisiger in die Räumlichkeiten am Phoenixhof gezogen und haben dafür viel investiert. Viele treue Kunden seien solidarisch und hätten darauf verzichtet, sich ihre Karten für abgesagte Veranstaltungen erstatten zu lassen, zudem sei die Soforthilfe der Kulturbehörde eine große Hilfe gewesen. Auch für das 4MT-Projekt ist er dankbar: „Es ist mir so wichtig, mit dem Publikum in Kontakt zu bleiben.“
Zum Abschluss gibt’s noch einen kleinen Absacker, genauer: einen „Absackerli“, wie der Schweizer sagt. Rhababerlikör von der eigenen Mutter. Dann ist der Abend vorbei. Ach, fast vergessen vor lauter Überschwang: Umarmen oder Handshake zum Abschied ist momentan ja nicht drin. Macht nichts, dann gibt’s eben den berühmten Corona-Footshake, ehe sich Martin D’Costa alias der fiktive Gast hinaus in die Abenddämmerung verabschiedet. „Komm bald wieder“, ruft Gisiger noch hinterher.
Seht hier „4 Minuten Theater“ aus dem 2te Heimat Theater:
Was passiert eigentlich gerade an den Hamburger Bühnen? Unter dem Motto „4 Minuten Theater“ erscheinen jede Woche kurze Videobeiträge von verschiedenen Privattheatern. Dieses mal kommt der Clip vom Theatersalon Die 2te Heimat. Thomas Gisiger und Andreas Löher laden die Zuschauer zu einem inszenierten Abend mit kultureller und kulinarischer Vollverpflegung ein. Dazu jede Menge Schwizerdütsch. Vorhang auf!Teile des Stücks stammen aus dem neuen Programm „Der Berg ruft!“, das im September gezeigt wird. Weitere Infos hier: https://die2teheimat.de/spielplan.php
Gepostet von Szene Hamburg Stadtmagazin am Donnerstag, 2. Juli 2020
Seht hier „4 Minuten Theater“ aus dem Lichthof Theater:
Was passiert eigentlich gerade an den Hamburger Bühnen? Unter dem Motto „4 Minuten Theater“ erscheinen jede Woche kurze Videobeiträge von verschiedenen Privattheatern. Dieses mal kommt der Clip vom LICHTHOF Theater und wurde übrigens schon vor den Einschränkungen durch Corona gedreht. Wenn euch das Video gefällt, gibt es hier Teil 2 und Teil 3 zu sehen: https://www.youtube.com/watch?v=O9ZeC_HDW1Y&feature=youtu.be Vorhang auf!
Gepostet von Szene Hamburg Stadtmagazin am Donnerstag, 25. Juni 2020
Seht hier „4 Minuten Theater“ aus dem Ernst-Deutsch-Theater:
4 Minuten Theater – Ernst Deutsch Theater
Was passiert eigentlich gerade an den Hamburger Bühnen? Unter dem Motto „4 Minuten Theater“ erscheinen jede Woche kurze Videobeiträge von verschiedenen Privattheatern. Dieses mal proben Schauspieler unter Corona-Bedingungen das Stück „Das autoritäre Zeitalter des Megazorns“ für das Ernst Deutsch Theater und testen die Chancen und Grenzen zwischen Bühne, Bildschirm und Live-Chat aus. Vorhang auf!
Gepostet von Szene Hamburg Stadtmagazin am Donnerstag, 18. Juni 2020
Seht hier „4 Minuten Theater“ aus dem St. Pauli Theater:
Was passiert eigentlich gerade an den Hamburger Bühnen? Unter dem Motto „4 Minuten Theater“ erscheinen jede Woche kurze Videobeiträge von verschiedenen Privattheatern. Dieses mal sind die Hansa Boys zu Gast im St. Pauli Theater. Dort spielen sie ein Konzert unter Einhaltung der Corona-Bedingungen. Vorhang auf!
Gepostet von Szene Hamburg Stadtmagazin am Donnerstag, 11. Juni 2020
Seht hier „4 Minuten Theater“ aus dem Fundus Theater:
4 Minuten Theater – Fundus Theater
Was passiert eigentlich gerade an den Hamburger Bühnen? Unter dem Motto „4 Minuten Theater“ erscheinen jede Woche kurze Videobeiträge von verschiedenen Privattheatern. Dieses mal treten im FUNDUS THEATER Kinder gegen Erwachsenen an. Vorhang auf! Alle Clips der Hamburger Bühnen findet ihr unter https://szene-hamburg.com/4-minuten-theater-wir-sind-noch-da/
Gepostet von Szene Hamburg Stadtmagazin am Donnerstag, 9. Juli 2020
SZENE HAMBURG Stadtmagazin, Juli 2020. Das Magazin ist seit dem 27. Juni 2020 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
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Matthias Günther: „Theater ist eine Glücksmöglichkeit“
30 Fragen, 30 Antworten: Matthias Günther, Dramaturg am Thalia Theater, über seine persönlichen Lieblingsstücke, die nicht anerkannte Systemrelevanz von Kultur und warum Tocotronic die passenden Worte zur aktuellen Lage gefunden haben
Fragebogen: Ulrich Thiele
SZENE HAMBURG: Welches kulturelle Ereignis hat Sie geprägt?
Matthias Günther: Seit frühester Kindheit die documenta in meiner Heimatstadt Kassel und insbesondere die Aktion „7000 Eichen – Stadtverwaldung statt Stadtverwaltung“ von Joseph Beuys 1982 (documenta 7).
Welches Theaterstück hat Sie als erstes zum Weinen gebracht?
Im Kasperltheater die Entführung der Großmutter im „Räuber Hotzenplotz“.
Und welches zuletzt?
Die erste Probe von „Ode an die Freiheit“ zwei Monate nach der Theaterschließung.
Erinnern Sie sich an Ihren ersten Thea terbesuch? Welches Stück haben Sie gesehen und was hat es in Ihnen aus gelöst?
Der Besuch des Weihnachtsmärchens „Der gestiefelte Kater“ im Staatstheater Kassel Anfang der 1970er Jahre und meine Empörung über die Pappkulissen. Aus dem Fernsehen kannte ich mehr Wirklichkeit.
Welches Theaterstück hat bei Ihnen vermeintliche Gewissheiten über den Haufen geworfen?
Christoph Marthalers Paraphrase „Goethes Faust Wurzel aus 1+2“ 1993 am Deutschen Schauspielhaus und der grandiose Faust-Monolog von Sepp Bierbichler aufgelöst in Vokale.
Was war Ihre schönste Theatererfahrung?
„Das achte Leben (Für Brilka)“ und „Die Katze und der General“ von Nino Haratischwili in den Adaptionen von Jette Steckel und ihrem Team am Thalia Theater. Diese beiden Arbeiten zeigen großes Menschentheater.
Und die schlimmste?
Keine. Theater ist für mich ganz großes Zuschauerglück. Selbst, wenn es mal nicht so gut ist. Ich komme immer gerne wieder.
Dieses Stück sollte jeder einmal in seinem Leben gesehen haben:
„Krippenspiel“ von Kindergartenkindern in der Weihnachtszeit.
Über welche Inszenierung haben Sie zuletzt heftig mit jemandem gestritten?
Immer wieder über die großartigen Arbeiten von Florentina Holzinger, die mit ihrem radikalen Körpertheater verstört. Performance, Porno, Provokation?
Die Welt geht in einem Jahr unter und Sie können nur noch ein Stück inszenieren: welches wäre das?
Das neue Stück, das Elfriede Jelinek dann schreibt: „Besser wird’s nicht“ – ein Abgesang!
Mein/e Lieblingsschauspieler:
Ich verliebe mich immer wieder und immer wieder neu. Max Reinhardt schrieb über Schauspieler: „Ihre Aufnahmefähigkeit ist beispiellos, und der Drang zu gestalten, der sich in ihren Spielen kundgibt, ist unbezähmbar und wahrhaft schöpferisch. Sie verwandeln alles in das, was sie wünschen. Und dabei das klare, immer gegenwärtige Bewusstsein, dass alles nur Spiel ist, ein Spiel, das mit heiligem Ernst geführt wird.“
Mein/e Lieblingsdramaturg/en:
Ivan Nagel.
Was bedeutet Kultur in diesen Tagen für unsere Gesellschaft?
Es wird uns klar, was fehlt. Sehr viel!
Was bedeutet Theater grundsätzlich für unsere Gesellschaft?
Eine Glücksmöglichkeit! „Verweile doch! du bist so schön!“ (Goethe).
Gibt es unpolitisches Theater?
Kunst- und Kultureinrichtungen sind offene Räume, die vielen gehören. In der „Erklärung der Vielen“ heißt es: „Demokratie muss täglich neu verhandelt werden – aber immer unter einer Voraussetzung: Es geht um Alle, um jeden Einzelnen als Wesen der vielen Möglichkeiten!“
Das perfekte Stück zur aktuellen Lage:
Die Stücke, die gerade von Dramatikern wie Thomas Köck, Enis Maci, Bonn Park, Felicia Zeller und vielen anderen geschrieben werden.
Was ist die beruflich größte Herausforderung für Sie während der Corona-Krise?
Die bittere Erkenntnis, dass Kultur nicht als systemrelevant eingestuft wird und die Frage, wie wir unsere wunderbare Kunst in Krisenzeiten erhalten und weitermachen können, denn sie ist lebensrelevant.
Was stimmt Sie momentan hoffnungsfroh?
Die Solidarität des Publikums mit den Theatern.
Was stimmt Sie pessimistisch?
Diese miesen völkisch nationalistischen Zusammenrottungen.
„Wir forschen und erfinden das Theater der Zukunft.“
Werden virtuelle Möglichkeiten auch in Zukunft eine größere Rolle in der Kulturlandschaft einnehmen?
Die Digitalisierung ist schon jetzt ein wichtiger Bestandteil für das „Storytelling“ von Kulturinstitutionen, kann aber das direkte Live-Erlebnis nicht ersetzen. Theater sind Orte kollektiver Erfahrung. Das Besondere des Theaters hat der Choreograf Jérôme Bel zusammengefasst in dem Satz: „Some people sitting in the darkness, watching other people sitting in the light.“
Wie wird sich die aktuelle Lage auf das Theater nach Corona auswirken?
Wir machen weiter. Wir forschen und erfinden das Theater der Zukunft. Hugo Ball, der erste Dramaturg der Münchner Kammerspiele und später berühmter Dadaist in Zürich schrieb: „Europa malt, musiziert und dichtet in einer neuen Weise. Das neue Theater wird wieder Masken und Stelzen benützen. Es will Urbilder wecken und Megaphone gebrauchen. Sonne und Mond werden über die Bühne laufen und ihre erhabene Weisheit verkünden.“ Das könnte ein Weg sein.
Wem sind Sie in diesen Zeiten besonders dankbar?
Den vielen Künstlern, die versuchen weiterzumachen.
Wer hätte mehr Dankbarkeit verdient?
Eltern, die in dieser Zeit eine zentrale gesellschaftliche Aufgabe übernommen haben: die Schulpflicht ihrer Kinder durch Homeschooling zu gewährleisten.
Worauf freuen Sie sich in den nächsten drei Jahren am meisten?
Ich freue mich auf jeden neuen Tag und hoffe eine „Handbreit“ weiterzukommen.
Ich mag Hamburg, weil …
… es für mich die schönste Stadt Deutschlands ist.
Ich mag das Thalia Theater, weil …
… es ein Ensembletheater ist.
Die Hamburger Theaterlandschaft ist so besonders, weil …
… sie so vielfältig ist von A–Z (Altonaer Theater bis Theater das Zimmer).
Allgemein gesprochen: Sind Sie lieber dafür oder dagegen?
Meine politische Sozialisation ist eng verbunden mit der Friedenbewegung der 1980er Jahre. Damals war der Slogan: „Aufstehn“.
Wann haben Sie sich das letzte Mal geirrt?
„Kluge Irrtümer sind wichtiger als banale Wahrheiten“, hat Heiner Müller gesagt.
Welche Hoffnung haben Sie aufgegeben?
Ich halte es mit Tocotronic: „Aus jedem Ton spricht eine Hoffnung auf einen Neuanfang.“
SZENE HAMBURG Stadtmagazin, Juni 2020. Das Magazin ist seit dem 30. Mai 2020 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
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Interviews: Wie geht es den Hamburger Kulturschaffenden?
Wir haben mit Kulturschaffenden darüber gesprochen, wie sie mit der für sie besonderen Schwere der Pandemie umgehen, was gerade hilfreich ist und was die Krise Gutes bringt.
Interviews: Erik Brandt-Höge
Andrea Rothaug, Geschäftsführerin Rockcity Hamburg
Andrea Rothaug (Foto: Simon Heydorn)
SZENE HAMBURG: Mit RockCity seid ihr ein wichtiges Aushängeschild für Hamburgs Kultur, die aufgrund politisch beschlossener Maßnahmen schwer von der Krise betroffen ist. Was macht dir aktuell besonders zu schaffen?
In der Tat, die Musikszene mit Musikern, Musikfirmen und Clubs haben einen nahezu hundertprozentigen Shutdown erfahren. Sie waren die ersten, die betroffen waren und werden die letzten sein, deren Berufe wieder voll ausübbar sein werden. Der Überlebenskampf gleicht einem Windhundrennen um Förderprogramme, digitalen Umsetzungsmöglichkeiten oder betriebswirtschaftlichen Überlebensstrategien. Mich beunruhigt die fehlende Perspektive für eine ganze Branche, deren Produkte wirklich jeder Mensch, ob alt oder jung, arm oder reich, links oder rechts täglich konsumiert. Mich beunruhigt auch die Vorstellung, dass der Verlust von Vielfalt durch die Marktbereinigung, die sich nach der Krise vollziehen kann, in Kauf genommen wird. Und mich beunruhigen diese ganzen Verschwörungswahnsinnigen und der aufkommende, jetzt wirklich ganz und gar evidente weltweite Rassismus, der den Turbokapitalismus vor Menschenrechte stellt.
Gibt es auch Menschen, die euch aktuell besonders unterstützen?
Wir erfahren zurzeit besonders viel Unterstützung von der Hamburger Musikszene, die uns befeuert, sich bedankt oder einfach per Mail ihre Freude über unsere Arbeit ausdrückt. Aber auch die Karsten Jahnke Konzertdirektion, die Haspa Musik Stiftung, PM Blue, Concord Music Publishing und Bands wie die Beginner sowie viele Spender mit großem und kleinem Portemonnaie sind dabei. Auch die Zusammenarbeit mit der Kulturbehörde, aber auch mit den Verbänden der Musik ist momentan sehr wichtig und hilfreich.
Und wie plant ihr die kommenden Monate – wenn ihr denn planen könnt?
Wir planen, in den kommenden Monaten unsere neuen Angebote für die Musikszene, die wir in Corona-Zeiten auf die Beine gestellt haben, zu konsolidieren. Darüber hinaus werden einige bereits bestehende Angebote digitalisiert, andere noch stärker analog erlebbar gemacht. Operation Ton #13 ist ebenso auf Hochtouren in Planung wie aktuell unser Hamburg Music Award Krach+Getöse – beides wird es digital geben. Neu dabei ist der Schwerpunkt „Musik in der Krise“, aber auch noch einmal stärker im Fokus sind neue Wege der Selbstvermarktung für Musikprofis.
Sarajane, Musikerin
Sarajane (Bild: Annemone Taake
SZENE HAMBURG: Freiberufliche Künstler leiden derzeit sehr. Wie kommst du mit der Situation zurecht?
Da kann ich nur mehrschichtig antworten. Mir persönlich geht es gut und meiner Familie und meinen Freunden auch, das macht schon mal einiges leichter. Beruflich gesehen, hm … Ich hatte von einem Tag auf den anderen von einem vollen Kalender keine Konzerte mehr übrig und auch keine Aussicht, wann sich das wohl ändern würde. Das war und ist eine völlig neue Situation – für viele. Aber es schweißt auch zusammen. Mein Eindruck ist, dass viele Künstler und Veranstalter etwas enger zusammenrücken.
Nutzt du Streamings, um mit deinem Publikum in Kontakt zu bleiben?
Absolut. Ich mache jeden Dienstagnachmittag um 17 Uhr eine Tea Party auf Instagram (#tuesdaytea). Das begann schon weit vor der Corona-Zeit, aber jetzt ist es auf einmal eine der wenigen direkten Möglichkeiten, mit den Fans und Supportern zu kommunizieren. Ich hatte auch das Vergnügen, bei der Konzertreihe „Quaratunes“ von Karsten Jahnke, PM Blue und Rock- City Hamburg e.V. ein Streaming-Konzert mit Band zu spielen, weil auf der Bühne genug Platz war, um alles mit Abstandsregeln umzusetzen.
Und wie sieht es mit Hilfe in Hamburg aus?
Ich bin sehr froh, dass es in Hamburg die Soforthilfe für Soloselbstständige gibt und der Verein RockCity auch wie wild Spenden für einen Rettungsfond sammelt, um dann Hamburger Künstler zu unterstützen.
Axel Schneider, Intendant Altonaer Theater
Axel Schneider (Bild: Bo Lahola)
SZENE HAMBURG: Hamburger Theater leiden sehr unter der Corona-Krise. Worunter leiden Sie besonders?
Das faszinierende am Theater ist die Arbeit im Team. In der Verwaltung, in der Öffentlichkeitsarbeit, mit Regieteams, mit der Technik, mit den Schauspielern. Zudem liebe ich die Beschäftigung mit immer neuen Themen. Das alles ist nun schlagartig weggefallen. Ich finde es verständlich, aber auch bedenklich, dass es in unserer menschengemachten Welt kaum noch ein anderes Thema gibt als Corona. Die Welt, in der wir leben, im Mikrokosmos oder global gesehen, bietet so viele Themen, die fast erschlagen werden von Wirtschaftszahlen und Infektionskurven. Sie fragen nach „leiden“. Ich würde darunter leiden, wenn wir aus dieser Zeit nichts lernen würden!
Und wie gehen Sie mit dieser Situation im Team um?
Genau dieses Team-Building fehlt ja. Die Mitarbeiter, mit denen ich zusammenarbeiten kann, sind großartig. Die vielen, die in Kurzarbeit sind, vermisse ich!
Was halten Sie eigentlich von Kultur per Streaming?
Es ist ein Ersatz, keine Alternative. Wir versuchen bei den Privattheatertagen diesen Weg zu gehen. Denn es ist wichtig, sichtbar zu bleiben und den Menschen ein Angebot zu schaffen, aber auch die Präsenz dessen, was sie als Live-Erlebnis verpassen.
Matthias Elwardt, Geschäftsführer Zeise Kinos
Matthias Elwardt (Bild: Heike Blenk)
SZENE HAMBURG: Kinos haben es besonders schwer während der Corona-Krise. Wie meistern du und deine Mitarbeiter diese Zeit?
Das Zeise Kino bevölkern zur Zeit Handwerker. Alle Arbeiten, die für dieses Jahr geplant waren, haben wir vorgezogen. So können wir glänzen, wenn wir endlich wieder Gäste bei uns begrüßen dürfen.
Denkst du, die Wichtigkeit von Kino wird vielen jetzt noch bewusster?
Ich hoffe, dass das Kino wieder als besonderer, kultureller und sozialer Ort gesehen wird. Wir Menschen sind Gemeinschaftswesen und das Kino bietet einen besonderen Raum der Begegnung. Hier werden wir berührt, verführt und in unermessliche neue Welten entführt.
Bekommt ihr von mancher Seite Unterstützung, für die du sehr dankbar bist?
Wir sind sehr dankbar dafür, wie viele Zeise-Gäste sich bei uns gemeldet haben, um uns zu unterstützen. Viele haben eine Zeisecard gekauft oder ihre Karte aufgeladen. Auch wurden sehr viele Gutscheine gekauft. Immer wieder rufen Besucher an und fragen, wann wir wieder öffnen, sie würden uns sehr vermissen. Auch die Filmförderung und die Kulturbehörde sind sehr schnell aktiv geworden und haben die „Kino Hilfe Hamburg“ ins Leben gerufen. Ein großes Dankeschön an dieser Stelle für diese Hilfe! Trotzdem haben wir noch eine lange Wegstrecke vor uns.
Weitere Interviews mit Persönlichkeiten aus Hamburgs Kulturszene findet ihr in unserem DANKE!-Magazin.
Das SZENE HAMBURG DANKE!-Magazin ist seit dem 29. Mai 2020 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
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Lichthof Theater: Probebühne Internet
Der Vorhang bleibt zu, die Webcam geht an: Wie viele andere Häuser stellt auch das Lichthof Theater gerade auf digitale Formate um. Im Interview spricht künstlerischer Leiter Matthias Schulze-Kraft über erste Schritte im Netz, die Chance, nicht perfekt sein zu müssen und die neue Reihe „Lichthof Lab“
Interview: Sophia Herzog
Probiert gerne digitale Tools aus: Matthias Schulze-Kraft (Foto: G2 Baraniak)
SZENE HAMBURG: Matthias Schulze-Kraft, wie alle anderen Veranstaltungsorte des Landes hat auch das Lichthof Theater geschlossen. Wie sieht Ihr Arbeitstag unter diesen neuen Umständen aus?
Matthias Schulze-Kraft: Ich arbeite, wie viele gerade, mehr oder weniger von zu Hause. Interessanterweise habe ich mehr zu tun denn je. Das hätte ich nicht gedacht. Zum einen müssen wir uns um die Finanzierung und Organisation des Theaters kümmern. Wir haben zum Beispiel die Renovierungen vorgezogen, die sonst während der Sommerpause gemacht würden. Zum anderen müssen wir die ganzen Verschiebungen und Absagen koordinieren, also schauen, welche Premieren zu einem anderen Zeitpunkt stattfinden können oder für welche wir vielleicht ein Online-Format entwickeln können.
Die Online-Angebote des Lichthof Theaters sammeln Sie in der neuen Reihe „Lichthof Lab“. Worum geht es dabei?
Wir haben einen Aufruf an die Künstlerinnen und Künstler gestartet, die eng mit dem Lichthof Theater verbunden sind, und gefragt, ob sie Ideen haben, die sie als Online-Formate entwickeln möchten. Da kamen viele Ideen zurück.
Ende April haben wir zum Beispiel die interaktive Serie „Boy H. Werner gibt Instruktionen am Montag“ eingeführt. Boy H. Werner ist Literaturkritiker und eine Kunstfigur der Hamburger Theatermacherin Charlotte Pfeifer. Er stellt jeden Montag Aufgaben an Künstler und Künstlerinnen, aber auch an eine interessierte Öffentlichkeit. Die Ergebnisse bewertet und diskutiert er dann immer in der nächsten Woche.
Außerdem stellen einige der Künstler, die in dieser Zeit Premiere gehabt hätten, im Livestream ihre Arbeit vor. So bleiben wir sichtbar und können den Künstlerinnen und Künstlern immerhin eine virtuelle Bühne bieten.
„Beim Theater über Video geht viel verloren“
Viele Theater stellen gerade außerdem Livestreams online. Lässt sich denn Theater so einfach eins zu eins ins Netz übertragen?
Nein. Man kann natürlich Mitschnitte von Theaterstücken streamen, dafür braucht es aber eine qualitativ hochwertige Aufnahme. Wir streamen gerade nur zwei Produktionen, die bei uns Premiere gefeiert haben, das Musiktheater „Strandrecht“ und „Cum-Ex Papers“. Beide Stücke wurden aufwendig aufgenommen, mit mehreren Kameras und Schnitten, wurden also filmisch aufbereitet. Trotzdem finde ich Theater über Video nur mäßig spannend, dabei geht einfach viel verloren. Bei Streaming-Angeboten sieht man vor allem, was uns entgeht. Wenn wir wirklich Produkte wollen, die einen Mehrwert haben, dann muss man neue Formate für das Web erfinden.
Eine große Frage ist dabei aber auch: Wie sieht das aus mit der Entlohnung?
Ja, das stimmt. Die Künstler haben in ihre Arbeiten natürlich viel Arbeit gesteckt, aber eben nicht dafür, dass die Werke dann noch wochenlang kostenlos gestreamt werden. Man sieht ja, wie schwer sich schon Verlage tun, sich hinter Bezahlschranken zu stellen, schon rein technisch. Dafür finden wir so ad hoc auch keine Lösung.
Die Hamburger können das Lichthof Theater im Moment mit einem freiwilligen Ticketkauf für die Streams unterstützen. Wie lange kann so ein Modell funktionieren?
Das kann ich konkret gar nicht beantworten. Online-Angebote ersetzen natürlich nicht das, was wir sonst machen, langfristig kann es nur ergänzen. Ich glaube aber, dass so eine Schiene auch in Zukunft bestehen bleiben wird, wenn die Theater wieder öffnen. Mit diesem Ziel haben wir auch das „Lichthof Lab“ gestartet, und wir wollen in diesem Gebiet weiterhin Erfahrungen sammeln.
Gerade ist das teilweise alles noch ein bisschen unperfekt. Den ersten „Friday Online Talk“, ein festes Format des Lichthof Labs, haben wir zum Beispiel über Zoom abgewickelt. Dabei haben ungebetene Gäste den Talk torpediert und wir mussten die Übertragung abbrechen. Jetzt streamen wir über Youtube.
Trial and Error also …
Genau, und das ist auch total spannend. Es macht Spaß, sich das Technische anzueignen, aber auch zu schauen, wie wir Inhalte online präsentieren können.
Das leere Foyer im Lichthof Theater (Foto: Sabrina Twele)
Sie haben gerade das Wort „unperfekt“ genannt. Sind die Zuschauer bei kleinen Fehlern gerade nachsichtiger?
Komplett. Wir hätten das Format unter anderen Umständen so nicht einführen können. Das Lichthof Lab hatten wir eigentlich als großes Projekt geplant, waren aber in Planungs- und Finanzierungsfragen noch gar nicht so weit. Online-Formate wie dieses hätten wir immer erst in einem perfekten Zustand veröffentlicht.
Jetzt ist es aber gerade jeder gewohnt, unperfekte Dinge zu sehen. Alleine in den Zoom-Konferenzen, in denen sich das Private und das Berufliche so extrem überlagern. Wir können das jetzt nutzen, um gemeinsam zu lernen. Nicht nur wir als Theatermacher, sondern auch mit den Zuschauern, für die das ja ebenso neu ist.
Das passt zur „Krise als Chance“, die gerade häufig genannt wird. Welche Chancen sehen Sie denn für Privat- und Off-Theater?
Erst einmal eignen wir uns natürlich gerade bestimmte Tools an, die wir langfristig für begleitende Angebote zum regulären Theaterprogramm einsetzen können. Wir werden Online-Formate selbstverständlicher mit ins Portfolio aufnehmen können, das sehe ich schon als große Chance.
Und dann ist es so, dass man Künstler und Künstlerinnen, gerade freischaffende, sowieso nicht stoppen kann. Die sind es gewohnt, selbstbeauftragt zu arbeiten. Die warten nicht, bis jemand kommt und Ansagen macht, sondern fangen jetzt an zu experimentieren. Da werden ganz neue Dinge entstehen. Ich denke, das wird das Theater nachhaltig verändern.
„Es kann sein, dass Theater das nicht überleben“
Verstärkt die Krise außerdem das Bewusstsein für die meist prekären Arbeitsverhältnisse von Künstlern?
Die Krise trifft natürlich gerade Menschen, die überhaupt keinen Cent auf der hohen Kante haben. Dass jetzt ein Blick auf uns gerichtet wurde, auf die Verletzlichkeit von Künstlern, das denke ich schon. Ob wir als Gesellschaft aber von der Krise lernen und die Effekte anhalten, da bin ich eher skeptisch.
Wird die Theaterbranche in Hamburg nachhaltig strukturelle Schäden erhalten?
Das hängt davon ab, wie lange diese Situation noch anhält. So unterschiedlich die Hamburger Theaterlandschaft ist, so unterschiedlich werden auch die Auswirkungen sein. Das hängt davon ab, wie abhängig Theater von den Abendeinnahmen oder wie hoch die institutionelle Förderung ist.
Die Kulturbehörde ist super kulant und war sehr schnell mit den Hilfsmaßnahmen, zumindest was uns betrifft. Aber es kann auch sein, dass Theater das nicht überleben. Und dann entstehen natürlich empfindliche Lücken in der Hamburger Theaterlandschaft.
SZENE HAMBURG Stadtmagazin, Mai 2020. Das Magazin ist seit dem 30. April 2020 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
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Coolhaze: Neues Theaterstück von Studio Braun
Nach „Der goldene Handschuh“ inszeniert das Trio Studio Braun am Schauspielhaus einen literarischen Klassiker und einen Rache-Thriller der 1970er Jahre als Stück im Stück. Heinz Strunk erklärt, warum er, Rocko Schamoni und Jacques Palminger auf Bezüge zur Gegenwart verzichten
Interview: Sören Ingwersen
SZENE HAMBURG: Herr Strunk, für „Coolhaze“, das neue Stück von Studio Braun, haben Sie Heinrich von Kleists Erzählung „Michael Kohlhaas“ als Vorlage gewählt. Darin wird ein unbescholtener Pferdehändler zum Mordbrenner, weil an einer Grenze unrechtmäßig zwei seiner Pferde konfisziert wurden. Was reizt Sie an diesem Stoff ?
Heinz Strunk: Es geht bei uns ja nicht um Kohlhaas alleine, sondern darum, dass ein durchgeknallter Filmregisseur im Jahr 2020 auf die Idee kommt, die Geschichte als Verschnitt des Actionklassikers „Ein Mann sieht rot“ zu inszenieren. Diesem Film mit Charles Bronson liegt die gleiche Thematik zugrunde, nämlich Rache.
Die Handlung haben wir in die USA verlegt. Coolhaze, wie Michael Kohlhaas bei uns heißt, handelt mit Motorrädern. Zwei davon werden von New York nach New Jersey gebracht und dort steht plötzlich ein Schlagbaum – wie bei Kleist.
Man sieht also ein Stück im Stück?
Es gibt zwei Ebenen: die Film-Ebene, auf der wir verfolgen, wie der Film gedreht wird, und die Set-Ebene, wo wir die Schauspieler und den Regisseur privat erleben und wo all die Konflikte gezeigt werden, die innerhalb einer Theater- oder Filmhierarchie auftreten.
„Das hat nichts mit Trash zu tun“
Heinz Strunk
Der Film im Stück wird mit großen Worten als „Action-Musical mit erotischen Horrorszenen“ angekündigt …
Von dieser Bezeichnung haben wir uns schon wieder verabschiedet, weil die irreführend ist. Bei unseren Inszenierungen war in der Presse immer wieder vom „Trash-Trio Studio Braun“ die Rede. Vielleicht hatte das, was wir früher gemacht haben, etwas mit Trash zu tun, aber mittlerweile ist das überhaupt nicht mehr der Fall.
Was haben wir stattdessen zu erwarten? Spaßige Unterhaltung? Oder wollen Sie den Leuten auch darüber hinaus etwas mitteilen?
Rache, Selbstjustiz und deren Rechtfertigung beruhen ja auf komplexen psychologischen Sachverhalten und berühren grundlegende Fragen der Ethik. Insofern ist das keine leichte Unterhaltung. Dafür sollte man lieber ins Musical gehen. Alle Studio-Braun-Stücke sollen zwar unterhaltend sein, aber das alleine wäre uns zu wenig.
Wollen Sie vielleicht auch ein politisches Statement abgeben und ein Amerika zeigen, das die Grenzen dichtmacht und mit seiner Politik die Selbstjustiz herausfordert?
Um Gottes willen! Auf der Bühne etwas zu machen, wo Trump und Amerika eine Rolle spielen, wäre das Allerschlimmste.
Inwiefern?
Das ist so ungefähr das abgewrackteste, abgeschmackteste und ödeste, von allen Satire und Kabarettveranstaltungen winkelbeleuchtete Nichtthema. Trump am deutschen Theater zu verhandeln und am besten noch jemanden über die Bühne zu jagen, der so aussieht wie er, das ist richtig schlimm. Bezüge zur Gegenwart werden bei uns nicht beleuchtet.
Charly Hübner, der jetzt als Titelfigur Coolhaze auftritt, hat auch schon den Serienmörder Fritz Honka in der Studio-Braun-Inszenierung Ihres Romans „Der goldene Handschuh“ gespielt. Soll die Gleichbesetzung irgendeine Parallele zwischen beiden Figuren aufzeigen?
Auf keinen Fall. Ich habe mit Charly auch einen Film gedreht, und er ist einfach eine absolute Spitzenkraft. Es ist ein wahnsinniges Glück, dass ich mit ihm befreundet bin und er bei uns mitmacht.
Erwartungen an Studio Braun
Sie inszenieren das Stück zusammen mit Rocko Schamoni und Jacques Palminger und stehen auch mit den beiden gemeinsam auf der Bühne. Wie sieht Ihre Arbeitsteilung aus?
In rund zwanzig Jahren haben wir acht oder neun Inszenierungen zusammen gemacht. Wir sind so gut aufeinander eingespielt, dass man da schon von einem blinden Verständnis sprechen kann.
In welcher Rolle sind Sie selbst zu sehen?
Ich bin die Mutter von Coolhaze.
Wie ist das, eine Frauenrolle zu spielen?
In unseren Inszenierungen habe ich schon fünf, sechs Mal die Mutter gespielt. Das ist sozusagen meine Paraderolle.
Verunsichert es, wenn man als Schauspieler nicht aus dem eigenen Erfahrungsschatz schöpfen kann?
Auch als Schriftsteller muss ich mich ständig in andere Figuren hineinversetzen. Wenn ich eines kann, dann das.
Keine Angst vor Klamauk?
Wir kopieren hier ja nicht „Charleys Tante“. Aber das Groteske fanden wir schon immer reizvoll.
Sie sprachen eben das Trash-Vorurteil an. Die Mitglieder von Studio Braun kennt man von Telefonstreichen im Radio, als Filmschauspieler, Musiker, Entertainer, Theatermacher und Buchautoren. Ärgern Sie sich manchmal darüber, dass die Leute mit Erwartungen, die Sie vielleicht nicht bedienen wollen, Studio-Braun-Aufführungen besuchen?
Da kann ich nur für mich sprechen. Ich mache ja sehr viele verschiedene Dinge, wobei die Musik wohl am wenigsten wahrgenommen wird. Die anderen Sachen sind aber alle ganz erfolgreich. Ich denke, wenn etwas gut ist, setzt es sich auch durch. Dann spielt es keine Rolle, ob man eigentlich für etwas anderes steht.
„Der goldene Handschuh“ war vielleicht mit „Unterwerfung“ die erfolgreichste Produktion des Schauspielhauses. Auch die Produktionen „Dorfpunks“ und „Fleisch ist mein Gemüse“ waren sehr beliebt.
Gibt es ein geheimes Erfolgsrezept von Studio Braun?
Nein. Wenn man sich wie wir immer originäre Stoffe vornimmt, ist der Erfolg unkalkulierbar.
Sie haben als Autor bereits elf Bücher geschrieben. Sind Sie auch für den „Coolhaze“-Text verantwortlich?
Der ist noch gar nicht fertig. Wir haben natürlich etwas vorbereitet, aber die Dialoge werden während der Produktion geschrieben.
Das heißt, die Schauspieler arbeiten mit szenischen Vorgaben?
Das kommt darauf an. Manche Szenen kann man ganz schlecht vorausplanen. Da sagen wir den Schauspielern, worum es in etwa geht und dann wird improvisiert. Das gilt für etwa ein Drittel der Szenen. Für den Rest gibt es textliche Vorgaben, die während des Spiels verfeinert werden.
Gibt es auch Filmbilder auf der Bühne zu sehen?
Ja, aber wir übertreiben es damit nicht, weil diese ständigen Video-Einblendungen im Theater ja auch nerven.
Außerdem wird eine Bigband angekündigt …
Eine abgespeckte Bigband mit vier zehn Musikern.
Und was spielen die?
Filmmusik aus den 1970er und 1980er Jahren.
Bekommt der Coolhaze am Ende seine Motorräder wieder?
Das wird nicht verraten.
Deutsches Schauspielhaus: Kirchenallee 39 ( St. Georg), Coolhaze: 14.3. (Premiere), 17., 18.3. und weitere
SZENE HAMBURG Stadtmagazin, März 2020. Das Magazin ist seit dem 27. Februar 2020 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
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„Killing in the name of“: Theater für den höheren Zweck
2019 gewann Alicia Geugelin den Start Off-Wettbewerb für junge Regisseure – ihr Stück „Killing in the name of“ feiert jetzt seine Premiere. Und stellt die Frage: Wie weit kann man gehen für seine Überzeugung?
Interview: Dagmar Ellen Fischer
SZENE HAMBURG: Alicia Geugelin, Sie sind die zwölfte Gewinnerin des Start Off-Wettbewerbs. Was bedeutet Ihnen diese Auszeichnung?
Alicia Geugelin: Eine Wertschätzung unseres Konzepts, weiter inszenieren zu dürfen. Und meine Form weiterentwickeln zu können: auf der Suche, wie eine Art der Verbindung zwischen Schauspiel und Musik aussehen kann.
Ein Theaterstück über Überzeugungen: „Killing in the name of“ (Foto: MorelSo ET ROT)
Ihr Stück heißt „Killing in the name of “. Jenseits der zahlreichen Nachrichten von Attentaten weltweit, gab es ein spezielles Ereignis, das Sie letztlich motivierte, sich dieses Themas als Inszenierung anzunehmen?
Mein Großvater war Klavierlehrer von Christian Klar, einem ehemaligen, führenden Mitglied der RAF. Klars wachsende Begeisterung für radikale Ansichten waren mit meinem pazifistisch denkenden Großvater unvereinbar, er warf Klar aus seinem Unterricht. Das beschäftigt meinen Großvater bis heute.
Mein Team und ich haben angefangen, uns mit der Geschichte Klars, seinen Ansichten, seiner Kritik an bestimmten Zuständen zu beschäftigen. In Kombination mit den zahlreicher werdenden Attentaten aus der rechten Szene haben wir gemerkt, dass wir uns intuitiv den Argumenten linker Gruppierungen näher fühlen. Wir fragten uns, ob das gerechtfertigt ist, wenn es um Menschenleben geht.
Nutzen Sie bei der Gegenüberstellung von Freiheitskämpfern und Terroristen bekannte konkrete Beispiele?
Ja. Und hier ist spannend, zunächst ideologiefrei heranzugehen und dann die jeweiligen Gründe, ob rechts oder links, religiös oder politisch, versuchsweise nachzuzeichnen. Interessant ist ja genau die Wertung als Freiheitskämpfer oder als Terrorist: Wann und warum nennen wir den einen so, den anderen so?
Zu welchen Teilen verwenden Sie Dokumentation einerseits und Fiktion andererseits?
Momentan würde ich sagen: zwei Drittel Fiktion, ein Drittel Dokumentation. Aber vielleicht wird es auch Hälfte- Hälfte …
Beziehen Sie in der Inszenierung Stellung zum Grundproblem: Darf man töten für einen „guten“ Zweck, oder muss man sogar mitunter drastisch eingreifen, wenn es von existenzieller Bedeutung ist?
Um diese Frage kreisen die Ethiker seit Jahrtausenden – es ist schwierig, zu einer eindeutigen Antwort zu kommen. Aber indirekt wird es natürlich permanent um dieses Thema gehen: Aus welcher Motivation wird gehandelt und wie weit gehen wir mit? Warum beurteilt die Gesellschaft das eine als legitim und das andere nicht?
Auch der Wert eines Menschenlebens wird ja scheinbar unterschiedlich beurteilt, wenn man über Ertrinkende im Mittelmeer, einstürzende Fabrikhäuser, Exekution von Terroristen nachdenkt – staatlich befohlenes Töten wird bagatellisiert oder die „erfolgreiche Operation“ gefeiert.
„Mich fordert am meisten heraus, wenn etwas unerreichbar erscheint.“
Alicia Geugelin
Wie gehen Sie konkret an die Umsetzung heran?
Aus literarischen Texten, Interviews und Sachtexten haben wir eine Fassung erstellt, mit der wir in die Proben starteten und die wir dann in der konkreten Arbeit, durch Improvisationen etc., ergänzen. Zusätzlich werden die Schauspieler Instrumente spielen und singen, es wird also einige musikalische Szenen geben.
Woher stammen die Texte, woher die musikalischen Anteile?
Es gibt Texte aus der Literatur sowie Sekundärtexte aus der Rechtswissenschaft, der Ethik, aber auch dokumentarische Interviews. Wir arbeiten mit (rechtefreien) Werken beziehungsweise Figuren daraus, wie beispielsweise Michael Kohlhaas oder Judith.
Bei der Musik will ich mich noch nicht festlegen, da hängt das Ergebnis von der konkreten Probenarbeit ab.
Sie haben in verschiedenen Bereichen gearbeitet: Musiktheater, Schauspiel, als Dirigentin, als Tänzerin, als Lehrende – wie lassen Sie sich am liebsten herausfordern?
Mir macht die Abwechslung Spaß. Inzwischen fühlt es sich so an, als habe ich mich in den vergangenen Jahren immer weiter vom rein musikalischen Weg verabschiedet. Aber auch hin und wieder als Dirigentin zu arbeiten, ist spannend, denn ich merke, wie sich Regie und musikalische Arbeit gegenseitig befruchten. Mich fordert am meisten heraus, wenn etwas unerreichbar erscheint.
Welche Erwartung haben Sie ans Publikum?
Ich habe ein Bild vor mir von einem Unterwasser- aquarium, in dem man das Gefühl hat, im Haifischbecken zu schwimmen und doch im Trockenen steht. So ungefähr möchte ich das Publikum in unsere Auseinandersetzung mitnehmen und zu einem Teil unserer Suche machen.
Lichthof Theater: Mendelssohnstraße 15 B (Bahrenfeld), „Killing in the name of“: 28.2. (Premiere), bis 8.3.
SZENE HAMBURG Stadtmagazin, Februar 2020. Das Magazin ist seit dem 30. Januar 2020 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
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„Das Schloss“: Neue Kafka-Inszenierung am Schauspielhaus
Nach „Ich, das Ungeziefer“ bringt der ungarische Regisseur Viktor Bodo mit „Das Schloss“ erneut Franz Kafka auf die Bühne des Schauspielhauses. Dramaturgin Sybille Meier, die ihn zum zweiten Mal begleitet, erzählt im Interview von der Sehnsucht nach dem Abwesenden und wie sie Kafkas Werk weiterspinnen.
Interview: Sören Ingwersen
SZENE HAMBURG: Sybille Meier, Franz Kafka hat seinen Roman „Das Schloss“ unfertig hinterlassen. Es gibt keinen richtigen Schluss, zwei alternative Anfänge und viele auf schlussreiche, aber vom Autor gestrichene Stellen. Wie geht man mit einem solchen Stoff auf der Bühne um?
Sybille Meier: Wir nehmen den Roman als Basis und schauen, welche The men uns interessieren. Eine wichtige Ausgangsfrage wirft der Protagonist auf, der als Fremder auf eine neue Gemein schaft stößt, aber von ihr nie wirklich aufgenommen wird. Im Roman ist es ein Dorf unterhalb des Schlosses. Viktor Bodo macht aus dem Dorf eine Arbeits gemeinschaft, eine geschlossene Welt, in der bestimmte Gesetze vorherrschen. Der Fremde, der im Roman K. genannt wird, ist ja tatsächlich ins Dorf gekom men, um zu arbeiten …
Er gibt vor, als Landvermesser bestellt worden zu sein, aber diese Idee ist ein großer Bluff. Er kategorisiert sich mit einem Beruf, der vor Ort nicht ge braucht wird.
Gibt es da eine Parallele zur heutigen Welt, in der man bluffen und alter native Fakten schaffen muss, um erfolgreich zu sein?
Ich glaube, ja. Am Anfang des Romans beginnt K. mit großer Souveräni tät und vielleicht sogar Arroganz eine Art Spiel. Das wird aber konterkariert, durch das Schloss, das als ein allwis sendes System erscheint und das Spiel immer wieder umdreht und pervertiert. Das hat viel mit unserer modernen Arbeitswelt zu tun, in der Menschen mittels Algorithmen eingeschätzt und Suchprofile erstellt werden, denen man sich anzugleichen versucht. In diesem Kontext werden wir auch das Thema Überwachung aufgreifen.
„Ich finde Kafka geradezu prophetisch“
Kafka entlarvt also vor fast hundert Jahren die Wirklichkeit als ein Konstrukt, das als solches erst im heutigen digitalen Zeitalter augenfällig wird?
Kafka beherrscht die hohe Kunst, den Leser in einer Gewissheit zu wiegen, die er kurz darauf schon wieder in Frage stellt. Das ist eine sehr aktuelle Erfahrung: Jede Gemeinschaft hat ihre eigenen kommunikativen Codes, die ein Fremder nicht beherrscht, weshalb er in der Gesellschaft auch nicht weiter kommt.
Interessant ist in diesem Zusammenhang, dass K.s Kommunikation mit dem Schloss nur auf medialem Weg per Telefon, Brief und mittels Dokumenten erfolgt, wobei völlig im Dunkeln bleibt, was auf der anderen Seite ankommt und welche Auswertungen dort stattfinden.
Da finde ich Kafka geradezu prophetisch. Dieses Spiel mit Möglichkeiten, mit Virtualität ist in unserer Inszenierung ein großes Thema und lässt sich wunderbar auf das Internet übertragen. Wir aktualisieren das aber nur bedingt, weil wir das Parabelhafte des Romans beibehalten wollen.
In dieser Parabel spielt natürlich das titelgebende Schloss eine zentrale Rolle. Es übt eine große Macht aus, bleibt aber für K. und die Dorfbewohner unerreichbar. Wofür steht dieses Sinnbild und wie übertragen Sie es auf die Bühne?
Das Schloss ist bei uns nicht zu sehen. Es steht für die Sehnsucht nach dem Abwesenden. Nach einer Vision von einer Zukunft, die eine neue Ordnung im metaphysischen oder gesellschaftlichen Sinn mit sich bringt. Zugleich ist es auch eine ungeheure Drohung.
Sybille Meier wechselte 2013 mit Intendantin Karin Beier von Köln nach Hamburg (Foto: Thomas Aurin)
Diese Sehnsucht wird aufrechterhalten um den Preis der Selbstunterdrückung. Die Frauen unterhalten sexuelle Beziehungen mit den Schlossbeamten, und man unterwirft sich dem strengen Reglement des Schlosses, ohne dass dieses jemals offen Druck ausübt oder Strafen verhängt.
Diese Atmosphäre aus Angst, Duckmäusertum und starken Hierarchien kennen wir aus Diktaturen. Oder noch eher aus der Zeit danach, wenn die übergeordnete Macht nicht mehr vorhanden ist, die Strukturen aber weiterhin existieren. Jeder operiert in der Verdächtigung des anderen, in der Angst, Verantwortung zu übernehmen vor dieser imaginären Macht.
Das Schloss repräsentiert genau dieses Zwischenstadium, in dem wir auch das Stück ansiedeln. Eine Atmosphäre des gegenseitigen Misstrauens, in der es keine direkte Auseinandersetzung gibt, sondern jeder nur in Abwesenheit des anderen über diesen spricht.
Eine gesellschaftliche Atmosphäre, die auch in der Biografie des Regisseurs eine Rolle spielt?
Viktor Bodo hat den real existierenden Sozialismus in Ungarn noch miterlebt. Die Frage ist allerdings, ob unser kapitalistisches System nicht ähnliche Strukturen entwickelt hat, nur versteckt, auf eine perfidere Art und Weise. Diese Spiegelung versuchen wir in der Inszenierung herzustellen.
In Anspielung an Kafkas rätselhaftes Universum wird häufig der Begriff „kafkaesk“ verwendet. Steht dieser Begriff einer unvoreingenommenen Annäherung an Kafkas Werk im Weg?
Mit dem „Kafkaesken“ verbinden wir das Unheimliche, Beängstigende, Undurchsichtige. Viktor Bodos großes Verdienst besteht darin, dass er das Komische und Groteske bei Kafka sucht.
Das hat er bei „Der Prozess“ getan und bei „Ich, das Ungeziefer“ nach Kafkas „Verwandlung“ eigentlich auch. Es gibt tatsächlich Seiten von Kafka, die gerade in der deutschen Rezeption unter dem sogenannten Kafkaesken begraben wurden.
Auseinandersetzung mit Machtgefügen
Weiß man, welche Inspirationsquellen Kafkas komischen Figuren zugrunde liegen, die oft als männliches Doppel auftreten wie die Gehilfen von K. in „Das Schloss“?
Ich glaube, Kafka hat sich sehr mit dem damals neuen Medium Film beschäftigt, in denen Komikerpaare wie Laurel und Hardy oder Pat und Patachon auftraten.
Und die wahnwitzigen Verwaltungsapparate in seinen Romanen?
Hat er aus seiner eigenen Biografie geschöpft. Er war ja bei einer Versicherung angestellt. Die Auseinandersetzung mit der ewigen Bürokratie und dem Beamtentum, mit Machtgefügen innerhalb von Firmen, kannte er aus eigener Erfahrung.
Da versteht man, weshalb Kafka seine Romanhelden mit seinem eigenen Initial „K.“ taufte …
Die Biografie des Autors spielt bei uns allerdings kaum eine Rolle. Von Anfang an haben wir entschieden, K. mit Carlo Ljubek zu besetzen, der auch schon bei „Ich, das Ungeziefer“ den Protagonisten Gregor Samsa gespielt hat. Insofern ist „Das Schloss“ auch eine künstlerische Fortsetzung einer gemeinsamen Arbeit an der Titelfigur.
Deutsches Schauspielhaus: Kirchenallee 39 (St.Georg)
„Das Schloss“: 22.2 (Premiere), 25.2. und weitere
SZENE HAMBURG Stadtmagazin, Februar 2020. Das Magazin ist seit dem 30. Januar 2020 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
#wasistlosinhamburg? Für mehr Stories und Tipps aus Hamburg folge uns auf Facebook, Twitter und Instagram.
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Lessingtage: Festival am Thalia Theater
Unter dem Motto „Wem gehört die Welt?“ finden zum 11. Mal die internationalen Lessingtage statt. Was damit gemeint ist und welche Fragen die Produktionen stellen, erzählen die Leiterin Nora Hertlein und die Dramaturgin Emilia Heinrich im Gespräch
Interview: Ulrich Thiele
SZENE HAMBURG: Nora Hertlein und Emilia Heinrich, wem gehört denn die Welt?
Emilia Heinrich: Jeder mit gesundem Menschenverstand würde natürlich sagen, dass die Welt entweder allen oder niemandem gehört. Der Titel ist bewusst polemisch formuliert, um auf Phänomene wie Kolonialisierung und Ausbeutung der Umwelt zu verweisen. Alle Produktionen beschäftigen sich mit diesen beiden Formen ungerechter Machtverteilung und den daraus resultierenden Folgen – aber fast immer mit einem positiven, selbstbestimmten Gestus.
Dystopien stehen aber auch auf dem Programm …
Nora Hertlein: Das stimmt, aber selbst die Dystopien sind keine Schwarzmalerei. Sie haben auf ihre Weise einen positiven Gestus, weil sie einen war nenden Charakter haben und eine Idee davon vermitteln, wie die Welt nicht werden sollte.
Emilia Heinrich (l.) ist feste Dramaturgie- assistentin, Nora Hertlein Kuratorin des internationalen Programms (Foto: Andreas Brüggmann)
Wie genau bringen sich die Produktionen in die aktuellen Debatten ein?
NH: Ein Beispiel: Das Stück „Arctic“, eine Dystopie der belgischen Regisseurin Anne-Cécile Vandalem, vereint beide Themen. Es geht um die Ausbeutung von Grönland und die Eisschmelze, die diese Ausbeutung ermöglicht. Grönland ist eine Lokalität, die die Zuschauer nicht so sehr auf der kognitiven Landkarte haben, wenn sie an Kolonialisierung denken. Vielen ist nicht bewusst, dass Grönland immer noch nicht vollständig unabhängig von der ehemaligen Kolonialmacht Dänemark ist. Somit erweitert das Stück die Perspektive auf das Thema.
EH: Das Stück ist auch ästhetisch sehr besonders, weil es kein didaktisches Erklärtheater ist, sondern eine fiktive Geschichte entwirft: Im Plot ist ein Schiff mit einer Bohrinsel kollidiert, die illegal dort vor Grönland aufgebaut wurde, wobei Menschen ums Leben gekommen sind. In einer Mischung aus LiveTheater und Film auf Leinwand dreht sich die Geschichte dann um die Aufklärung des Kriminalfalls – wie ein Thriller.
Sie betonen die internationale Ausrichtung der Lessingtage. Was erwartet die Zuschauer außerhalb von Europa?
EH: Das Stück „Orest in Mossul“ von Milo Rau, nach der Orestie von Aischylos, hat eine interessante politische Fragestellung. Rau wendet die Folie der Orestie – die nach Selbstbestimmung in der Durchbrechung einer Spirale von Gewalt und Rachemorden fragt – auf die politische Situation im Irak an.
2014 hat dort der selbsternannte „Islamische Staat“ das Kalifat ausgerufen. 2017 wurde die Stadt Mossul im Norden des Landes zurückerobert. Rau ist unter anderem mit der Fragestellung dorthin gereist, wie man mit gefangenen IS-Terroristen umgeht. Er spricht gerne vom „globalen Realismus“ als Kunstform – weil er zum einen vor Ort recherchiert, Videos macht und mit irakischen Schauspielern arbeitet und somit die Realität des Ortes mit auf die Bühne holt. Zum anderen weil er seine Fragestellungen vor dem Hintergrund globaler Zusammenhänge stellt.
Wie kam es zu dem Mexiko-Schwerpunkt?
NH: Das war keine programmatische Idee im Vorhinein. Ich habe „Andares“ von Héctor Flores Komatsu auf einem Festival gesehen und war begeistert. Vier junge indigene Performer aus dem ländlichen Mexiko stehen auf der Bühne und erzählen von ihrer ethnischen Zugehörigkeit und ihrer modernen Lebensrealität. Es gibt ja viele indigene Gruppen in Mexiko, die sich als eigene Nation mit eigenen Sprachen definieren.
„Amarillo“ von Jorge A. Vargas ergänzt das Thema. Das Stück ist schon einige Jahre alt, ist aber politisch relevanter denn je in Zeiten, in denen Trump einen Zaun zwischen Mexiko und den USA hochziehen will. Die zwei Stücke bilden ein Panorama mit zwei verschiedenen Lebenswelten in einem Land: Einmal geht es um diejenigen, die wegwollen und für die Mexiko ein Transitland ist. Und es geht um die Indigenen, die nicht wegwollen, aber unter dem Druck des Kapitalismus, der Ausbeutung der Natur, und der Mehr heitsgesellschaft leben.
Dazu zeigen wir eine Foto-Ausstellung der spanischen Künstlerin Griselda San Martin. Sie zeigt auf erschütternde Weise, was für einen Riss es für Familien bedeutet, wenn die einen es auf die andere Seite schaffen, während die anderen zurück bleiben.
„Es ist wichtig, diese Diskussion anzustoßen“
Afrika findet sich in „Hereroland“ und „Reverse Colonialism“ wieder. In Ersterem geht es, wie der Titel schon vermuten lässt, um den deutschen Genozid an den Herero und Nama. Worum geht es in Letzterem?
NH: Um Einwanderer aus Kamerun und Nigeria, die in Belgien leben. Das Stück dreht sich um ihren Konflikt damit, keinen Platz in Europa zu finden, weil sie immer zwischen den Stühlen sitzen. Sie sind europäische Afrikaner oder afrikanische Europäer. Letztendlich führen sie diesen Zustand ad absurdum, indem sie ein eigenes Land für europäische Afrikaner entwerfen wollen.
EH: Das alles natürlich mit einem großen Augenzwinkern. Das Publikum kann abstimmen, wie dieser neue Staat aussehen soll. Das Stück führt den Zuschauern vor Augen, wie absurd Kolonialismus ist. Aber das Stück haben selbstbewusste Afrikaner in der Hand, die auf ihr Recht auf ein gutes Leben in Europa bestehen. Gerade weil das Hamburger Publikum mehrheitlich europäischstämmig und weiß ist, kann diese Perspektive interessant sein.
Gibt es auch Stücke, bei denen Sie mit einer Kontroverse oder gespaltener Meinung im Publikum rechnen? Dass Rassismus und Kolonialismus falsch sind, darüber dürften sich ja alle einig sein.
NH: Ich hoffe natürlich darauf, dass sich nicht alle im Publikum einig sein werden. Deswegen gibt es zu jeder Produktion eine Publikumsdiskussion. Bei „Orest in Mossul“ kann man zum Beispiel kritisch nachfragen, wo die Machtverhältnisse in der Produktion liegen, wenn ein europäisches Stadttheater in den Irak fährt und dort ein Stück vorbe reitet. Wir wollten das Stück trotzdem unbedingt zeigen. Es ist wichtig, diese Diskussion anzustoßen.
Lessingtage: Thalia Theater und Thalia Gauß, 18.1.-9.2.2020
SZENE HAMBURG Stadtmagazin, Dezember 2019. Das Magazin ist seit dem 20. Dezember 2019 im Handel und auch im Online Shop oder als ePaper erhältlich!
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